Entrevista a Omar Guzmán Fraire Fundador de PUNTOCIEGO.

 

¿Platícanos cómo fue que te interesaste en el arte?

 

De niño quería ser inventor y destruía juguetes para construir robots, según yo. Esa creatividad me fue llevando a la música; tenía una guitarra y quería tocar punk. Llegué a la academia y después de conocer la música de Bach no hubo marcha atrás. Estudié composición en Colima, en Guadalajara y en Holanda y luego regresé a México. He trabajado en varias orquestas como chelista. Actualmente vivo en la ciudad de Aguascalientes donde doy clases de composición en la Universidad Autónoma de Aguascalientes. Soy de Guadalajara y me dedico al arte contemporáneo, una parte de mi trayectoria se dividió de la música hacia otro tipo de disciplinas e interacciones  con el arte.

 

Nos podrías explicar cuál es tu perspectiva sobre el arte contemporáneo.

 

Contemporáneo es un término que define históricamente lo que sucede ahora, pero en relación a lo que significa la música o arte contemporáneo tiene que ver con una serie de fenómenos artísticos y culturales que suceden en este momento. Una forma de relacionarnos con el mundo, la forma en la que el arte se concibe ahora.

 

¿Crees que existe una resistencia hacia la recepción del arte contemporáneo? ¿Qué estrategias se necesitan para llegar a la audiencia?

 

Sí, creo que existe una resistencia, ¿a qué se debe? Al principio yo pensaba que era falta de conocimiento, falta de bagaje histórico, lo cual puede ser cierto, pero es también un poco elitista decir que el arte solo puede apreciarlo la gente que conoce. Para mi eso no es verdad. La única forma de apreciar el arte es estar abierto al fenómeno y enfrentarte a él como humano completamente. Pero esa cosa tan sencilla se torna compleja y creo que esto se debe al mercado. A la ideología capitalista del mercado que impone ciertos parámetros de cómo debe de ser la música y el arte. Esa es la forma en que nos van intoxicando y esa es con la que llegamos al concierto y sino tiene un ritmo, sino tiene una melodía que pueda cantar en el baño probablemente esta mal. Pero creo que no es tanto por el poco bagaje histórico sino más bien el demasiado bagaje comercial que tenemos. Para enfrentarte a la música lo único que necesitas es oreja, estar dispuesto a escuchar y eso aunque parezca sencillo es complejo. ¿Cuáles serían las estrategias? Hacer cosas, y sobre todo esto que ustedes hacen, acercar esta forma de meter las manos en la electrónica de una manera empírica, creo que es sencillo que acerque a los niños a hacer una conexión con lo que pasa en este momento.

 

¿En qué otras formas de arte has incursionado?

 

En varias cosas, al principio eran cuestiones de teatro y de danza. Como compositor, te encargan la rola y obedeces a la idea del compositor. Después tuve la oportunidad de asistir a residencias en las que se trataba de una construcción de transdisciplinas y me abrió el campo. Era una cuestión de perder el miedo al error, al performance. Meterse en la disciplina del otro y poder agarrar espacios de la economía o la contabilidad para el arte, desde ahi creo que me he metido en cuestiones de performance, cuestiones teatrales, sociales, e incluso situaciones que no sé en qué categoría quedan.

 

¿Podrías hablarnos de alguna intervención de este tipo que te ha gustado más?

 

Sí. Hay una intervención que hacíamos en bancos. Un amigo y yo de pronto nos preguntamos, ¿en donde sería imposible ver una obra de arte? Creo que esto va en relación a lo que me preguntabas sobre: ¿Cuáles serían las estrategias para que el arte contemporáneo pueda ser bien recibido? Yo creo que una de ellas sería mostrar el arte fuera de los recintos en donde se supone que debe suceder. ¿En dónde puede suceder menos el arte? Nosotros pensamos: en los bancos, vamos a hacerlo en los bancos. ¿Cómo  lo hacemos? Llegamos a una conclusión y diseñamos un plan en donde cada uno de pronto se daba la oportunidad de estar en un banco y en ese momento creábamos una obra de arte, la que fuera, un gesto o tal vez movía una silla o modificaba algo y al salir del banco le mandaba un mensaje a mi amigo: Hay algo en tal banco. Entonces sin decirle cual era, él tenía que venir, buscarla y tomar una foto. Todo el tiempo desde que decíamos que iba a pasar eso, sucedía la pieza, estábamos esperando que sonara el teléfono y eso ya era la obra. A mi me llegaba un mensaje y yo iba corriendo al banco a buscar. Desde que llegaba al lugar ya existía la situación de arte, cualquier cosa que pase ahi puede ser la pieza de arte de manera que yo ahí la concluía, cualquier cosa. Entonces yo tomaba una foto a lo que pensaba que era y llegaba a donde estaba mi amigo y él a lo mejor me decía no es, pero no importaba. Ya la foto y el hecho de ver ese material creado era lo importante, crear una extensión material de ese momento.

 

¿Cuál es la intención al hacer este tipo de intervenciones? 

 

Primero es la fuerza creativa, en principio dejar que la creatividad se desfogue sin tener prejuicios. Lo demás en relación a esa creación es pensar: ¿qué demonios es el arte?, ¿necesita público el arte? Nosotros no necesitamos público. ¿Quién era el creador? Todos. Llegabas al banco esperando encontrar una pieza creada pero en realidad te estabas convirtiendo tu en el creador sin importar que alguien supiera que eso sucedía. El arte es como una grieta, uno piensa que la realidad esta compuesta de cierto modo especifico pero de pronto hay algo en donde te puedes meter, esa posibilidad de algo más, la grieta en la realidad que puede ser explorada.

 

¿Cuál es tu opinión sobre el aprendizaje dentro de la academia?

 

La academia es una herramienta más y creo que entre menos la utilicemos es mejor. A veces el ser autodidacta en sí es una escuela en la que no tienes reglas y puedes utilizar la ignorancia como una herramienta. Por ejemplo puedes acercarte a hacer esculturas sin saber qué es la escultura y llegar a crear algo que jamás te hubiera pasado por la cabeza. En cambio la academia es una línea, es un camino en el que más o menos tienes todo dado pero si empezamos fuera de la academia mucho mejor.

 

 

ENGLISH

 

 

Interview with Omar Guzmán Fraire Founder of PUNTOCIEGO.

 

Tell us how you became interested in art?

 

As a child, I wanted to be an inventor and destroyed toys to build robots, according to me. That creativity led me to music; I had a guitar and I wanted to play punk. I arrived at the academy and after learning about Bach’s music there was no turning back. I studied composition in Colima, Guadalajara and Holland and then returned to Mexico. I have worked in several orchestras as a cellist. I currently live in the city of Aguascalientes where I teach composition classes at the Autonomous University of Aguascalientes. I am from Guadalajara and I am dedicated to contemporary art, part of my career was divided from music to other types of disciplines and interactions with art.

 

Could you explain to us what your perspective is on contemporary art?

 

Contemporary is a term that historically defines what is happening now but concerning what contemporary music or art means, it has to do with a series of artistic and cultural phenomena that are happening right now. A way of relating to the world, the way in which art is conceived now.

 

Do you think there is resistance towards the reception of contemporary art? What strategies are needed to reach the audience?

 

Yes, I think there is resistance, why is that? At first, I thought it was a lack of knowledge, a lack of historical background, which may be true, but it is also a bit elitist to say that art can only be appreciated by people who know it. For me, that is not true. The only way to appreciate art is to be open to the phenomenon and face it as a human completely. But that simple thing becomes complex and I think this is due to the market. To the capitalist ideology of the market that imposes certain parameters of what music and art should be like. That’s the way they intoxicate us and that’s the way we get to the concert and if it doesn’t have a rhythm, if it doesn’t have a melody that you can sing in the bathroom, it’s probably wrong. But I think it is not so much because of the little historical background but rather the too much commercial background that we have. To face music, all you need is an ear, a willingness to listen, and although it may seem simple, it is complex. What would be the strategies? Doing things, and above all what you do, bringing this way of getting your hands on electronics in an empirical way, I think it is easy to bring children closer to making a connection with what is happening at this moment.

 

What other art forms have you dabbled in?

 

In several things, at first, they were questions of theater and dance. As a composer, you are commissioned to play the song and you obey the composer’s idea. Later I had the opportunity to attend residencies in which it was a transdisciplinary construction and it opened the field for me. It was a matter of losing the fear of error, of performance. Getting into the discipline of the other and being able to grab spaces from economics or accounting for art, from there I think I have gotten into performance issues, theatrical issues, social issues, and even situations that I don’t know in what category they fall.

 

Could you tell us about any intervention of this type that you liked the most?

 

Yes. There is an intervention that we did in banks. A friend and I suddenly asked ourselves, where would it be impossible to see a work of art? I think this is related to what you asked me about, What would be the strategies so that contemporary art can be well received? I think one of them would be to show art outside the venues where it is supposed to happen. Where can art happen less? We thought: in the banks, we are going to do it in the banks. How do we do it? We came to a conclusion and designed a plan where each of us suddenly gave ourselves the opportunity to be on a bench and at that moment we created a work of art, whatever it was, a gesture or maybe moved a chair or modified something and at the same time Leaving the bank I sent a message to my friend: There is something in such and such a bank. So without telling her what it was, he had to come, look for her and take a photo. All the time since we said this was going to happen, the piece happened, we were waiting for the phone to ring and that was the play. I received a message and I ran to the bank to search. When I arrived at the place, the art situation already existed, anything that happens there can be a piece of art so I concluded it there, anything. So I would take a photo of what I thought it was and I would get to where my friend was and he might tell me it was not, but it didn’t matter. The photo and the fact of seeing that material created was what was important, creating a material extension of that moment.

 

What is the intention when doing this type of intervention?

 

First is the creative force, in principle letting creativity vent without prejudice. The rest of that creation is to think: what the hell is art? Does art need an audience? We don’t need an audience. Who was the creator? All. You arrived at the bank expecting to find a created piece but in reality, you were becoming the creator regardless of whether anyone knew that was happening. Art is like a crack, you think that reality is composed in a certain specific way but suddenly there is something you can get into, that possibility of something more, the crack in reality that can be explored.

 

What is your opinion about learning within the academy?

 

The academy is just another tool and I think the less we use it the better. Sometimes being self-taught in itself is a school in which you have no rules and can use ignorance as a tool. For example, you can approach making sculptures without knowing what sculpture is and create something that would never have crossed your mind. On the other hand, the academy is a line, it is a path in which you more or less have everything given but if we start outside the academy, much better.